Aleor collabore avec Amélie du Chalard

SAVE THE DATE – EXPOSITION « Unravel, Reweave »

La Galerie Amélie du Chalard × ALEOR Design ont le plaisir de vous inviter à l’exposition « Unravel, Reweave ».

Une exposition croisée où art, design et matières vivantes dialoguent. Cette exposition célèbre la poésie du geste et la puissance évocatrice des matières, où formes, textiles et récits s’entrelacent pour créer un espace vivant et sensible, un refuge où l’art et le design deviennent vecteurs de résilience et de retissage de nos relations au monde.

Du 8 au 18 Janvier

Journées portes ouvertes
 Samedi 10 janvier — 10h à 18h
 Samedi 17 janvier — 10h à 18h

Galerie Amélie du Chalard
 18 Rue Séguier
 75006 Paris, France

Téléphone : +33 7 56 87 90 68

Amélie du Chalard 

Artistes :  Pola Carmen et Mirko Baricch

ALEOR DESIGN

Aléa — Miriam Josi & Stella Lee Prowse, Théophile de Bascher, Jessica Boubetra & Jean-Baptiste Lenglet, Rosana Escobar,  Max Funkat, Marie-Ange Guilleminot, Marlène Huissoud, Juliette Rougier, Diana Scherer, Tony Jouanneau — Atelier Sumbiosis, Catalina Swinburn

Dans les espaces de la galerie Amélie du Chalard, cette exposition croisée propose un dialogue entre arts visuels et design du vivant. Amélie du Chalard présente les artistes Pola Carmen et Mirko Baricchi, tandis qu’ALEOR Design rassemble une communauté de designers et artistes explorant les matières, leurs filières et les relations qui les traversent :
 

Pola Carmen est une artiste française dont la série présentée, Les Possibles, s’inscrit dans la continuité d’une recherche où la ligne devient figure, où le geste s’affirme comme un courant vital. Sur la surface, un territoire se tisse : des entrelacs fragiles, serrés, fuyant l’horizontal, construisent une forme d’ordre mouvant, né du labeur patient de la main. Chaque trait, tracé au pastel gras, possède une densité propre et dialogue avec le fond monochrome, socle et profondeur à la fois.

Le recouvrement n’est jamais total. Le temps traverse la matière, laissant çà et là des trouées, des érosions, des respirations. Ce qui se joue ici, c’est la persistance du vivant dans la répétition, la façon dont la toile, par sa trame, devient un monde en expansion.

Mirko Baricchi est un artiste italien dont la peinture explore les dynamiques du vivant à la croisée de l’abstraction et de la figuration. Son œuvre se construit par strates successives, à la manière d’un sol qui conserve les traces du temps : gestes spontanés, couches de pigments, effacements et reprises forment un terrain pictural en perpétuelle transformation.

Ces approches picturales trouvent un écho dans le travail des designers d’ALEOR, où la fragilité devient matière à création et où le tissage ouvre de nouvelles connexions. Ici, tisser devient un geste pour recomposer, réparer et relier matières, êtres et paysages, malgré les tensions et les failles qui traversent nos milieux de vie. Parmi ces créateurs, Théophile de Bascher conçoit à partir du bois de la forêt de Soignes et sculpte la mémoire affective qu’il entretient avec cette matière, donnant naissance à des tables où la beauté des aspérités se révèle pleinement. Tony Jouanneau à la fois designer et chercheur, crée des oeuvres textile qui combine des savoir-faire d’excellence (plissé de soie d’organza) et des techniques ancestrales japonaises avec des teintures naturelles d’indigo; Diana Scherer met en lumière l’intelligence des racines, capables de tisser et retisser des trames complexes, comme un réseau invisible reliant toutes les formes de vie.

Rosana Escobar tisse l’agave et la fibre de Páramo (Calamagrostis effusa) en respectant leur régénération et en valorisant leur dimension sacrée et brute. Ses gestes transforment la plante en totem vivant, médiateur entre l’humain, le végétal et le territoire rural de Colombie.

Marlène Huissoud ouvre la voie aux abeilles, révélant leur intelligence collective et la finesse des interactions invisibles qui soutiennent le vivant. Max Funkat propose une place aux défunts dans nos vies, transformant la matière en support sacré de mémoire et de lien intergénérationnel. Catalina Swinburn invite à une exploration sensible et spirituelle de notre condition humaine et des cycles de transformation, tissant des ponts entre cultures, gestes et temporalités.

Ce dialogue entre art et design, entre fragilité et résilience, appelle à la contemplation et à l’attention au sensible, capables de catalyser émotions et actions. L’exposition devient ainsi un espace vivant, où matières, êtres et histoires s’entrelacent, offrant un refuge et une métaphore pour retisser le monde avec soin, poésie et profondeur.